Pommerat nous frappe en plein cœur avec son Pinocchio. Les enfants ne s’y trompent pas pour cette dernière représentation de la création à l’Odéon. Ils applaudissent à tout rompre ce spectacle où le style de Joël Pommerat s’exprime à plein régime : un narrateur, torse nu, micro main qui renforce sa voix, (sa parole est forte, tranchante et rapide et pleine d’humour) raconte la seule chose qui vaille : la vérité. Il raconte la genèse, la naissance et la vie du pantin Pinocchio. Et sa quête de la vraie vie, allant du mensonge à la vérité.

Son père qui l’a fait est pauvre, timide. Alors que lui n’aspire qu’à la richesse -de manière quelque peu arrogante, et à la beauté. Les séquences se succèdent en tableaux rapides, à peine séparés par un fondu au noir sonore. Comme dans son admirable Petit Chaperon rouge, la trame sonore raconte à elle seule l’histoire. Tantôt, elle accompagne, tantôt elle ponctue, tantôt elle est surreprésentée, magistralement. Le théâtre de Pommerat rendrait le sourire à un aveugle mélancolique.

Ceux qui ont des yeux y voient aussi des mannequins, des musiciens, des personnages masqués, une fée géante, une mer comme aucune scène ne la vue aussi bien démontée (Devos en serait baba), et toujours ce jeu avant scène/fond de scène où Pommerat fait naviguer ses acteurs entre des immenses voiles de tulle. Les voiles pour la vue, les hypersons pour l’ouïe séquencent au rythme de la parole du narrateur comme autant de claps de réalisateur. La vie croissante se déroule inexorablement. Les épisodes connus (le refus de l’école, la prison, la transformation en âne, les retrouvailles de Pinocchio avec son père dans le ventre de la baleine) deviennent autant d’épreuves vers la vraie vie, non pas celle illusoire du divertissement, qui l’a tenté un moment, mais celle qui métamorphose un pantin de bois en petit homme. La vie en vrai voilà le don, une beauté, une bonté d’âme, qui dit vrai, qui dit la vérité.
Pour Pinocchio-Pommerat, la vie est une épreuve de vérité.

Extrait du dossier de presse :

Qui donc est-il, ce Pinocchio dont rêve Joël Pommerat et qu’il destine d’abord aux enfants ? Un être effaré, naïf, ravi – donc plongé, ajoute-t-il, dans «un état profondément théâtral». Autour de Pinocchio, héros d’une fête musicale et douce, le
spectacle joue du contraste entre l’austérité sérieuse du réel et les prestiges de la fantasmagorie. Ce conte librement réinventé où l’imagination enfantine se mesure à la dureté des «grandes personnes» part «de la question de la paternité et de la pauvreté».
Peut-on s’acquitter d’une dette de vie ? Comment devient-on grand tout en restant libre ? Joël Pommerat ne sait pas si les enfants se formulent de telles questions. Mais depuis qu’il a créé pour eux un Petit Chaperon rouge, il aime les histoires où elles se posent et sait qu’elles peuvent les captiver.

Extrait du livret de présentation, texte signé Daneil Loayza :

« Mentir, bien entendu, est aussi un besoin enfantin : celui de faire l’épreuve de sa liberté, fut-elle illusoire. Mentir, pour Pinocchio, c’est encore une façon de se déraciner, d’échapper à son appartenance pour tenter de se définir que par soi-même, dans ses propres termes. Le mensonge est donc également, du moins à un certain âge, un signe de vitalité : il réclame de l’initiative, de l’imagination, un certain sesn de la transgression. S’il contribue à développer ces qualités, il peut ouvrir à une meilleur connaissance de soi [on l’appelle alors d’un autre nom : songe ou fiction, voire « histoire vraie « ]. (…) Pommerat a lié deux aliénations et deux besoins : richesse et mensonge. Dans son spectacle, l’un porte sur l’autre, l’une provoque l’autre. C’est que ces deux alinéations, au fond, ont une racine commune : l’aspiration à être plus et autre que soi-même, aspiration qui chez les enfants, oscillant entre être et avoir, s’appelle « grandir « . »

Equipe :

Pinocchio d’après Carlo Collodi, texte et mise en scène Joël Pommerat
scénographie : Eric Soyer
Lumière : Eric Soyer avec Renaud Fouquet
animaux, mannequins : Fabienne Killy
son : François Leymarie, Grégoire Leymarie, Yann Priest
musique : Antonin Leymarie

avec : Pierre-Yves Chapalain, Jean-Pierre Costanziello, Philippe Lehembre en alternance avec Daniel Dubois, Florence Perrin, Maya Vignando

Tournée :

Prochaines étapes de Pinocchio : Tours, Chambéry, Lyon, Douai, Rennes, Bordeaux, Martigues, Brétigny.

© visuel Pascal Colrat 

Après Les Nègres et Topdog/Underdog, deux pièces en simultané à l’Athénée théâtre Louis-Jouvet, une troisième sur le rapport Noir/Blanc est à l’affiche, La Comédie indigène, jusqu’au 27 octobre au Tarmac de La Villette (Paris).

Mais autant l’ouverture de saison de l’Athénée a de quoi séduire en imposant un jeu de miroirs troublant, autant cette Comédie laisse un goût d’inachevé.

C’est d’ailleurs moins une comédie qu’une parodie grotesque du colonialisme, du racisme, et de leurs discours et de leurs  » représentations  » sur un siècle, de 1830, année de la prise de possession de l’Algérie par la France, à 1931, année de la dernière grande exposition coloniale, à Paris.

Le metteur en scène, Lotfi Achour, a souhaité présenter les textes du XIXè siècle sur la théorie de la hiérarchie des races par des savants en blouse blanche, une leçon de français  » petit nègre  » aux soldtas sénégalais, des discours à la Chambre des députés sur la vision de l’Arabe en voie de conqûete en Algérie. Ces textes -certains réclament une  » extermination  » sont superbement incarnés par des acteurs de talent : Thierry Blanc, Marcel Mankita, Ydire Saidi.

Le spectateur entend même un extrait hors contexe du discours de l’actuel président de la République française, prononcé à l’université Cheikh Anta Diop de Dakar en juillet dernier :

 » Le drame de l’Afrique, c’est que l’homme africain n’est pas assez entré dans l’histoire. Le paysan africain, qui depuis des millénaires, vit avec les saisons, dont l’idéal de vie est d’être en harmonie avec la nature, ne connaît que l’éternel recommencement du temps rythmé par la répétition sans fin des mêmes gestes et des mêmes paroles. Dans cet imaginaire où tout recommence toujours, il n’y a de place ni pour l’aventure humaine, ni pour l’idée de progrès. « 

La mi-scène est traversée par un immense vitrail transparent sur lequel sont projetés les visages filmés en noir et blanc d’hommes et de femmes, noirs ou jaunes. Malgré cette scénographie réussie, utilisée par trop d’intermittence, l’ensemble paraît décousu. Et la très belle voix de la chanteuse vocaliste Lê Duy Xuân, n’est hélas ! qu’un songe passager voulant rappeler les chants coloniaux…

A l’inventaire préliminaire qui énumère des noms évoqués par la Colonie, ses richesses notamment, semble correspondre l’inventaire des textes historiques. L’ultime scène entend donner la clé de l’ensemble : un homme noir, en costume trois-pièces, surgit du fond de la salle (interprété par Marcel Mankita), les lumières allumées, et vient apsotropher le tribun (Thierry Blanc), qui cite Lamartine, Tocqueville, Maupassant, etc. La réplique est un texte d’Achille Mbembé censé répondre au discours dominant, celui qui a forgé les représentations, selon Lotfi Achour. Texte assez faible. Cette réponse n’a pas la force de la cataracte de clichés déversés sur le spectateur pendant une heure. On est un peu perdu. Et déçu.

D’autant que Mbembé, professeur d’université, développe par ailleurs une hauteur de vue sur la question. Ainsi sur le blog de l’écrivain Alain Mabanckou :

 » L’Afrique se sauvera par ses propres forces ou elle périra. Personne ne la sauvera à sa place, et c’est bien ainsi (…)

Le premier principe est que l’Afrique ne doit rien attendre de la France. En retour, que la France s’abstienne (dans le sens d’abstinence) au maximum d’exercer chez nous la sorte de « pouvoir de nuisance » qu’elle n’a cessé de manifester depuis la fin des colonisations directes.

Le deuxième principe est que par rapport à la France comme d’ailleurs dans les rapports avec le reste du monde, les Africains s’efforcent de cultiver l’autonomie morale. Sans cette indépendance morale, ils seront toujours exposés à la corruption et leur liberté de jugement et d’action sera toujours hypothéquée. « 

Ouverture en noir et blanc, ouverture réussie et magnifiquement dérangeante, de la saison théâtrale à l’Athénée théâtre Louis-Jouvet, de Paris, avec deux pièces, toutes deux à 20h et jusqu’au 20 octobre : Les Nègres de Jean Genet et Topdog/Underdog de Suzan-Lori Parks. Deux pièces que les lycéens devraient aller voir…

Les Nègres, créée à la veille des indépendances africaines, présente une troupe de comédiens jouant l’idée que des blancs se font des noirs. Ces comédiens sont noirs et blancs. Ils vont être jugés par une Cour où les rôles sont interprétés par des comédiens noirs et blancs. Cet emboîtement des situations, leur mise en miroir permanent et toujours soumis à la question (les spécialistes parlent de mise en abyme) nous oblige à considérer de manière autrement complexe la  » question noire  » que l’année 2005 a fit resurgir.

Topdog/Underdog est jouée dans un petite salle, le public se retrouve plongé, aux Etats-Unis, dans le quotidien d’une chambre miteuse. Par un effet grossissant, l’histoire américaine et un élément fondateur se rejouent devant nos yeux. Deux frères habitent cet abri. L’aîné s’appelle Lincoln, le cadet Booth. L’aîné porte le nom d’un président des Etats-Unis qui a mis fin à la Guerre de Sécession, le cadet porte le nom de son assassin. Ainsi en ont voulu les parents, qui les ont d’ailleurs abandonnés. 

Curieuse situation où se réfléchit encore en miroir… l’histoire et la tragédie américaine. Lincoln a été le premier président américain assassiné.

Mais ce jeu de double est un jeu de dupe. Pour gagner sa vie, Lincoln doit s’exiber dans une foire, où il porte maquillage… blanc et barbe. Des spectateurs lui tirent dessus… à blanc. Se joue ainsi une histoire fondatrice de l’Amérique où la couleur (noire) est ainsi masquée… et le lynchage symbolique permanent.

Mais de retour chez lui (ou plutôt chez son frère où il squatte), Lincoln redevient… noir. Là se joue une autre histoire de dominant/dominé… Aîné/cadet, maître/disciple au bonneteau,  » Topdog/Underdog  » (chien dominant/chien dominé). Ecrire en pays dominé, a écrit Chamoiseau ; Dans Topdog/Underdog se joue un curieux phénomène où les deux frères revivent leur enfance…

On pourrait dire que Topdog/Underdog est une autre  » clownerie  » que Les Nègres, selon le mot employé par Genet, dont le nom d’origine était… Blanc. Ces deux pièces ont des points communs : la domination raciale, les préjugés, les stéréotypes et la volonté des deux auteurs à plus de quarante ans d’écart de brouiller les pistes pour mieux interroger nos contradictions, notre difficulté à regarder l’Autre dans sa dimension propre.

Les Nègres est un classique du théâtre contemporain. Sa précédente présentaton l’était dans la mise en scène d’Alain Ollivier au théâtre Gérard Philipe de Saint-Denis (banlieue Nord de Paris), au printemps 2002. La mise en scène de Cristèle Alves Meira, du haut de ses 24 ans, lui apporte une fraîcheur qui la renouvelle. Elle a même obtenu des ayant-droits de Genet de remplace dans le texte de la pièce le mot  » Afrique  » par le mot  » Autre « , dans une volonté de généralisation. Comme si  » on était toujours le Nègre de quelqu’un « . Sa réflexion sur la question identitaire est à ce prix. Comme le désir de monter cette pièce après les événements de banlieue en 2005.

Topdog/Underdog est une véritable révélation, écrite par une figure de la nouvelle génération du théâtre américain. Suzan-Lori Parks est actuellement en tête d’affiche de la saison théâtrale américaine avec sa série marathon : 365 days/365 plays, autrement dit : elle a passé l’année 2006 à écrire une pièce par jour ! Bref, elle est d’une autre dimension…

 » Suzan-Lori Parks a reçu le prix Pulitzer de théâtre en 2002 pour cette oeuvre qualifiée de « post-raciste », ce qui signifie qu’il ne s’agit pas d’un drame entre Afro-Américains, mais simplement entre deux frères, faisant, comme dans un roman noir, le mauvais choix qui conduit à l’abîme. «  (Martine Silber, Le Monde, 12/10/07)

Suzan-Lori Parks est née en 1964 dans le Kentucky. Très tôt influencée par James Baldwin, elle a écrit plus d’une dizaine de pièces de théâtre ( Venus, In the Blood, Fucking A), des scénarii (elle a écrit pour Spike Lee, Oprah Winfrey, Denzel Washington) et un roman. Elle a remporté le prix Mac Arthur Foundation “Genius Grant” en 2oo1, et le Pulitzer Prize for Drama en 2oo2 pour Topdog/Underdog. Suzan-Lori Parks est une tenante de l’art dit « prismatique », qui entend échapper au paradigme de la « race », à toute forme d’essentialisme racial ou ethnique : « En tant qu’Africains-Américains, nous devons reconnaître cet essentialisme insidieux (la »négrité ») pour ce que c’est : un satané piège visant à nous réduire à une seule et unique manière d’être. Nous devons entreprendre de montrer au monde, ainsi qu’à nous-mêmes, notre diversité : elle est aussi magnifique que puissamment infinie. » 

Dans Topdog/Underdog, la question de la responsabilité de chacun dans sa condtion est ainsi posé. Après tout, Lincoln, interprété par Moanda Daddy Kamono (photo du haut), a le choix entre se faire licencier de son rôle dans un jeu de massacre humiliant ou de reprendre son activité de bonneteur. Son frère (joué par Toto Kisaku Mbengana, photo du bas) a le choix entre disputer la suprématie du jeu à son frère, épouser sa petite amie, Grace, ou l’assassiner…

Ajoutons que c’est un spectacle où l’on rit, comme dans Les Nègres…  Comme quoi, la tragédie de notre condition d’homme se regardant dans le miroir de l’Autre, n’est pas de tout repos. La Bibliothèque nationale de France (BnF) organise une rencontre autour des représentations du Noir dans le théâtre contemporain (mardi 16 octobre 2007, 18h30 – 20h30) avec Philip Boulay, metteur en scène de Topdog/Underdog, Cristel Alves Meira, metteur en scène des Nègres, et Sylvie Chalaye, de l’Université de Paris 3. Site François-Mitterrand, Petit auditorium, entrée libre. 

Pour prolonger la question :